Arthur Danto y el valor artístico

¿Qué es el arte para Arthur Danto?

Conocer el arte, supone tener una definición clara de lo que es el arte. Por tanto, necesitaremos saber qué es el arte, también distinguir el arte del no arte y, por qué no, que nos proporcione un criterio para determinar el valor artístico.

Se dice que un objeto es una obra de arte si posee valor estético, y determinamos su valor estético experimentando la obra. Ahora bien, imaginemos una obra de arte y una copia perfecta de ésta. Contempla ambas obras y pregúntate: ¿Poseen el mismo valor estético?. Entonces, si la respuesta es afirmativa, ¿quiere decir que debemos otorgar el mismo valor artístico a los dos objetos? En realidad, lo que hacemos es dar valor artístico al original y negarlo a la copia.

Por consiguiente, el criterio estético, la experiencia que nos proporciona un objeto, no nos permite decidir si dicho objeto es arte o no. Dos objetos pueden ser idénticos, perceptivamente indiscernibles y uno ser una obra de arte pero no el otro.

 

Imagen extraída de: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/59/Portrait_of_a_Young_Woman%2C_Amedeo_Modigliani%2C_1918%2C_New_Orleans_Museum_of_Art.jpg

Original vs Copia

Retrato de joven Amadeo Modigliani

Lo que distingue a una obra y otra, no son cualidades perceptibles, sino el hecho de la pertenencia al mundo del arte. ¿Qué quiere decir ésto? 

El mundo el arte está constituido por una atmósfera teórica, por una determinada concepción de qué es una obra de arte. Ambas obras son idénticas, pero puesto que la original pertenece al mundo del arte, se experimenta de forma diferente. Necesitamos saber que es una obra de arte para poder experimentarla como tal. Incluso, paradójicamente, podemos llegar a decir, que pese a ser idénticas, tienen una estética diferente.

Es ahora que sabemos que es una obra de arte cuando determinamos correctamente su valor estético. No nos puede sevir como criterio de identificación.

¿Qué ocurre cuando contemplamos belleza en lo natural?,¿parecería como si la naturaleza actuara tratándose de un artista?

Para Danto, es necesario saber que el objeto ha sido producido con la intención de hacer una obra de arte.

Kant diría, que la naturaleza es bella cuando la contemplamos como si fuera una obra de arte

Expresionismo alemán

El expresionismo no busca mostrar el mundo tal como es, sino expresarlo. Se inscribe siguiendo los pasos de Van Gogh que ya había abierto en su tiempo las puertas de una forma de pintura marcada por la expresión. Este aspecto es principalmente utilizado a través del tema del cuerpo o del retrato, en el que los artistas no dudan en ir hasta la distorsión de las formas.

Imagen extraída de: https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Ernst_Ludwig_Kirchner_-_Fr%C3%A4nzi_in_front_of_a_Carved_Chair.jpg

Los comienzos del siglo XX atraviesan un período de una profunda crisis, un clima social que desembocará en la Primera Guerra mundial. Los expresionistas sintieron venir la guerra expresando sus sentimientos visionarios en imágenes particularmente tortuosas. Es en este contexto que se forma el grupo Die Brücke en Dresde en 1905 entorno a personalidades como Fritz Bleyl, Karl Schmidt-Rottluf, Erich Heckel y Ernst Ludwig Kirchner. Más tarde, llegarán y se añadirán artistas como Emil Nolde, George Grosz, Otto Mueller, Max Pechstein y Otto Dix. Además, cuando se observa los retratos fotográficos de estos últimos, se puede ver que la expresión que emana de sus rostros está lejos de la alegría de vivir. Su expresión es grave, severa y austera parece expresar la atmósfera que reinaba en la época.

Imagen extraída de: https://en.wikipedia.org/wiki/Madonna_(Munch_painting)#/media/File:Edvard_Munch_-_Madonna_-_Google_Art_Project.jpg

En este mundo hostil, que presagia multitud de inquietudes, los expresionistas alemanes buscaban una pintura capaz de expresar los problemas del hombre.
Su pintura es como un grito de desesperación emitida en reacción a esa sociedad que no ofrece más que angustia y miedo al futuro. La forma expresionista es nerviosa, tosca y la deformación es utilizada con la intención de anteponer el sentimiento interior sobre la realidad figurativa.
La influencia de su estilo viene de precursores como James Ensor, Vincent Van Gogh o incluso Edvard Munch.

Imagen extraída de: http://www.egon-schiele.com/death-and-the-maiden.jsp

Dadá: 100 años de azar

Se cumplen 100 años del nacimiento del que quizás fue el movimiento más transgresor de toda la primera mitad del siglo XX: el dadaísmo.

¿Qué es el dadaísmo, cuál es el origen del movimiento y de dónde toma su nombre?

El movimiento dadaísta surge durante la Primera Guerra Mundial, en una Europa que se había convertido en una carnicería, dividiéndose y quebrándose en un sinsentido absurdo.

En febrero de 1916, en Zúrich, un grupo de personalidades revolucionarias se unen para cambiar el viento de rumbo del momento tan caótico que vivía el continente. Hugo Ball, poeta reconocido alemán, y su novia, la bailarina Emmy Hennings, llegan a la ciudad suiza y forman el Cabaret Voltaire, el verdadero centro dadaísta.

Imagen extraída de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Theo_van_Doesburg_Dadamatin%C3%A9e.jpg

...el Cabaret Voltaire era el centro del Dadaísmo...

La misión del Cabaret Voltaire era entretener a sus seguidores mediante la presentación de los programas musicales y poéticos recitados por los presentes. Por otra parte, los creadores de Cabaret animaban a los jóvenes artistas de Zúrich a participar en el programa mediante sugerencias. Atraen a grandes personalidades del Dada como al poeta rumano Tristan Tzara, al poeta alemán Richard Hülsenbeck, al escultor Jean Arp y al pintor Hans Richter.

Imagen extraída de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Theo_van_Doesburg_Dadamatin%C3%A9e.jpg

Arp expresó: 'Declaro que Tristan Tzara encontró la palabra 'dada' el 8 de febrero de 1916 a las seis de la tarde. Estoy convencido de que esta palabra no tiene ninguna importancia y que solo los imbéciles pueden interesarse por los datos. Lo que a nosotros nos interesaba es el espíritu dadaísta, y todos nosotros éramos dadaístas antes de la existencia del Dadaísmo'.

Abrieron el diccionario al azar y encontraron la palabra 'dada' que dio nombre al movimiento. La palabra dada no tiene nada que ver con el movimiento. No significaba nada, era un término nihilista, como la mayoría de sus componentes que considera absurda una guerra tan atroz.

El 'pre-expresionismo' de Goya

Francisco de Goya es considerado según el crítico francés Pierre Gassier, como el padre de la pintura moderna, una figura que fue testigo y vivió activamente una época dramática de la historia de España, y de Europa en general, y que supo reflejarla en su pintura. 

Imagen extraída de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Francisco_de_Goya_y_Lucientes_089.jpg

Las Pinturas negras son una serie de catorce pinturas que Goya elaboró al óleo directamente sobre las paredes de los dos pisos de la llamada Quinta del Sordo. Se estima que cada sala medía unos 10 metros de largo por 4,50 de ancho. Las pinturas corrían peligro por la delicadeza de su soporte, y hacia 1873 fueron separadas de la pared por decisión del barón de Erlangger. Fueron trasladadas a lienzo por Martínez Cubells, el restaurador del Museo del Prado, y fueron expuestas en París en 1878, y donadas al Prado por el mismo barón en 1881. Las investigaciones radiográficas realizadas han revelado que al principio el maestro había superpuesto las escenas que conocemos hoy.

Imagen extraída de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Atropos_o_Las_Parcas.jpg

La pintura 'Dos viejos comiendo sopa' mide 49x83cm, y representa dos ancianos, del que se han trastocado las edades y los sexos, están situados en disposición de tres cuartos, desde un ángulo levemente picado pese a que originariamente la pintura se emplazara en la parte superior del dintel de la puerta de entrada al piso inferior, según el comentario de Charles Yriarte. El personaje de la izquierda tiene la apariencia de una anciana por el pañuelo blanco que tiene ceñido sobre la cabeza. Este personaje sujeta con su mano diestra un cucharón del que hace ademán de introducirlo en un plato, con una atrevida mueca de burla en el rostro. El individuo que le acompaña posee un rostro con dos profundos y oscuros huecos en pos de los ojos, además de la cavidad nasal macabra que contrasta con la prominente nariz de la pseudoanciana, los personajes adquieren una fisonomía bestial y más parece una calavera que un rostro humano. Sugiere estar postrado en una cama, aunque todo esto serían vanas conjeturas difíciles de aclarar debido a la gestual, acelerada e inacabada pincelada de este último Goya. Al igual que el resto de pinturas de la casa, las imágenes participan de la irracionalidad, la pincelada oscura de negros y ocres, y de la lejana estética del resto de figuras.

Imagen extraída de: https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Viejos_comiendo_sopa.jpg

Viejos comiendo sopa

Quizá se trate de una visión negativa del propio Goya agonizante, como recuerdo de la dura enfermedad que el pintor tuvo que sobrellevar, o tal vez, y como ocurre en la mayor parte de su obra, se trate de una metáfora a la pobreza, la necedad y la miseria de la España de esos momentos. Un país que desgarra a sus hijos con guerras y revoluciones, la condición del hombre ilustrado que ha perdido a Dios y que únicamente ha de enfrentarse a la suerte de la crueldad cósmica.

Imagen extraída de: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a8/Francisco_de_Goya_y_Lucientes_091.jpg

La obra madura del genio aragonés, al tiempo que huye de cualquier pauta académica, otorga a su pincelada una marcada autonomía. Los efectos de luz estiman las carnes y los tejidos, así también como las penumbras de los fondos sobre los que destacan las figuras. La deformación de los rostros, o los gestos se han pintado con una pincelada amplia y dinámica, con acusados contrastes de blancos, ocres y grises. El conjunto de pinturas muestra una sociedad imaginaria de brujas y de espectros con muecas cínicas. La pesadilla se funde con lo mitológico en una memorable expresión, es el desvarío de la verdad. Las ideas políticas de libertad e igualdad que manifestaba la revolución; unida a la sordera, que hicieron que el artista buscara respuestas a su dolencia en su interior e impulsase un arte subjetivo y muy personal, nos trae a la mente al compositor de la Sinfonía Coral. El capricho del destino quiere que genios coetáneos, desconocidos entre sí, como son Goya y Beethoven coincidan en este intenso período post-napoleónico y revolucionen el arte en sus respectivos campos. Los últimos cuartetos para cuerda de Beethoven unidos a las pinturas negras del genio aragonés, son un grito desgarrador en contra de la belleza, la forma y lo racional, y prefiguran la estética del siglo XX.

El fauvismo y la exaltación del color

La Fundación Mapfre expone en Madrid 150 obras del movimiento fauvista encabezado por Matisse.

Haz clik sobre El País, para acceder a la noticia

El término fauvismo viene del francés ‘fauve’ (fiera) y expresa el aspecto natural, espontáneo y casi salvaje del empleo del color. Aunque también puede evocar un cierto primitivismo en el arte. El Fauvismo es la puerta de entrada de la abstracción pictórica. Entre los pintores más destacados Henri Matisse es sin duda la personalidad más conocida. Destacan también Derain o Carmoin.

La pintura fauvista se centra particularmente en el trabajo del color. Las obras son fácilmente reconocibles por el empleo de largas superficies de colores vivos, mientras que las imágenes figurativas tienden a una cierta abstracción.

El Fauvismo aparece en Francia en el mismo periodo que lo hace el Expresionismo en Alemania. Pero si el Expresionismo alemán se caracteriza por una atmosfera tormentuosa, a veces violenta, la forma de expresividad del fauvismo es totalmente diferente. La dinámica de este grupo es mucho más positiva y plena de vitalidad.

Recordemos que los cubistas se sitúan cercanos a la obra de Cézanne, pues bien, ahora será Gauguin quién mejor explique el fauvismo como la exaltación del color. En el transcurso de su viaje a Tahití, descubre el esplendor de los colores del país. Se dedica a buscar y experimentar con la intensidad de los tonos y la luz mágica que observa, de ahí que lo lleve a una simplificación del dibujo. Hacia sus últimos días, Gauguin lleva el color a independizarse del dibujo y expresar con ello una intensidad y una virulencia jamás antes observada. En efecto, para él era un medio de mostrar una nueva mirada sobre la pintura, alejada de los códigos del academicismo del mundo occidental de su época.

Gauguin experimenta con los colores exóticos que descubre en Tahití.

Los pintores fauvistas se sumergen por esta puerta abierta y van más lejos en su viaje. El dibujo tiende a desaparecer y a dejar lugar a manchas de color, superficies de largos trazos de color puro. Ahora la forma de dibuja sobre el superficie extendida de color. Es una expresión sensual y espontánea.

Fases del cubismo

El cubismo analítico es una de las fases principales del movimiento cubista y fue desarrollado entre 1908 y 1912. Al contrario que el cubismo sintético, el cubismo analítico ‘analiza’ la forma y la reduce a una simple geometría en dos dimensiones. El color es casi inexistente, salvo por el uso monócromo del gris, el azul o el ocre. En esta fase, en lugar de poner el acento sobre el color, el cubismo analítico se centra en la forma, con el fin de representar el mundo esencial. 

Imagen extraída de: https://www.flickr.com/photos/pmeimon/16051002951...se dirigen ahora hacia la abstracción, sin dejar ningún signo del mundo real en el interior de sus obras...

El cubismo sintético introduce diferentes objetos distintos entre ellos: trozos de metal, papel de periódico, madera, telas, creando de este modo, el collage. Ahora se configura la obra a partir de la yuxtaposición de materiales que nunca antes habían sido ensamblados. Si en la fase analítica, el color había sido dejado de lado, ahora se recupera para vincular más fuertemente la obra a la realidad. Ahora no interesa reducir a formas el objeto, interesa más su esencia.

El concepto de cubismo órfico fue descrito por Apollinaire en relación al dios tracio Orfeo, por el empleo de colores y de la luz en ciertas obras cubistas. El color y el tema se entrecruzan y se confunden. El color define la forma y la temática. Se exalta la luz y la línea curva, dejando a un lado la línea recta horizontal y vertical anterior. Entre los artistas figuran Robert Delaunay, Fernand Léger o Francis Picabia.

Imagen extraída de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Robert_Delaunay_-_Rythme,_Joie_de_vivre.jpg

Joie de vivre. Delaunay

Una definición de Cubismo

Como ya se ha dicho en la entrada anterior, Pablo Picasso y Georges Braque cambiaron el transcurso de la historia del arte en un corto período de tiempo en la primera y segunda década del siglo XX.

Las dos ideas claves del cubismo son la representación geométrica de la realidad y la simultaneidad de ésta desde diferentes puntos de vista. La primera rama del cubismo, conocido bajo el nombre de cubismo analítico, es a la vez radical e influyente como movimiento artístico entre 1908 y 1911, a pesar de su corto período. En la segunda fase, el cubismo sintético, con ayuda de materiales sintéticos en sus obras, tomó magnitud y fuerza hasta 1919, cuando el movimiento surrealista gana popularidad.

Georges Braque. Guitarra

Los objetos son fragmentados, analizados, dibujados bajo diferentes ángulos y reunidos en una forma abstracta en lugar de la representación en un solo punto de vista, como hasta entonces era tradicional.

...el artista muestra el objeto desde multitud de puntos de vista para representar el bojeto en un contexto más largo...

Un rostro, por ejemplo, podía representarse desde diferentes puntos de vista simultáneamente (vista frontal, vista lateral, en tres cuartos, de pájaro, cenital). A menudo, las diferentes caras de un objeto se cruzan al azar, eliminando cualquier sensación de coherencia y de profundidad. Se crea un espacio ambiguo, de ahí que la extrañeza y la ambigüedad sea una característica esencial del cubismo.

El pintor 'precubista' francés Paul Cézanne marcó las pautas de este nuevo estilo. En sus obras se interesó por la simplificación de la naturaleza en formas geométricas esenciales. Como en las pinturas cubistas, se propuso simplificar el mundo con formas cilíndricas, cúbicas y cónicas.

Pese a que el estilo es revolucionario, se sigue representando los célebres géneros: bodegones, paisajes y retratos.

El protocubismo de Picasso

El cubismo es un movimiento artístico del siglo XX de vital importancia en la historia del Arte pero al mismo tiempo, de muy corta duración. Fue desarrollado por Pablo Picasso y Georges Braque introduciendo la fragmentación en sus obras.

Pablo Picasso es quizás la figura clave y más conocida del movimiento cubista. Pero veamos la figura de Picasso anterior al movimiento.

Las primeras obras del genial pintor malagueño fueron divididas en diferentes períodos: el período azul, seguido del período rosa, una tercera etapa de fuerte inspiración africana y, posteriormente, y en la segunda década del siglo XX, el Cubismo.

La pintura Les demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso es considerada por los historiadores del arte como la primera obra cubista, pese a ser realizada antes mismo del inicio del Cubismo. En fin, existen intensos debates sobre el inicio del movimiento, de si está íntimamente ligado a esta obra o simplemente es un precedente más.

Imagen extraída de: https://www.flickr.com/photos/wallyg/563354141
Pintura al óleo realizada en 1907

Si decimos que es un retrato, Pablo no parece innovar demasiado. Pero, sin embargo, ya se reflejan muchas de las corrientes que se irán desarrollando durante todo el siglo. 

Cinco mujeres completamente desnudas posan fijando en el espectador sus grandes ojos negros y blancos. Nos podemos imaginar cómo la obra chocaría fuertemente frente el gusto de los espectadores del arte de la época, pero es más bien la técnica la que provoca el escándalo. No solamente el cuadro no presenta narración alguna, sino que olvida de forma deliberada la perspectiva, el gran logro de los artista del Renacimiento.

Más que conformarse ante las reglas del naturalismo y el realismo, el joven Picasso presenta lo que será su futuro estilo: muchas perspectivas confluyendo de forma anárquica, desde distintos puntos de vista, y con respecto a las reglas tradicionales de la representación, y de ahí que las caras de las jóvenes sean pintadas de frente y las narices de perfil. 

Imagen extraída de: https://www.flickr.com/photos/wallyg/563354141

...olvida de forma deliverada la perspectiva...

En su obra podemos ver cómo Picasso pasó muchos de sus años estudiando intensamente el arte africano, así como la obra de Paul Cézanne. Recordemos el imperialismo francés en el continente africano y de ahí las innumerables máscaras y objetos africanos que se exponían en museos de París. Picasso utilizó estas obras como fuentes de inspiración. La influencia de Cézanne se expresa en esa necesidad de sintetizar el mundo en formas geométricas puras.

Imagen extraída de: http://todoscontraelarte.blogspot.com.es/2013/07/las-senoritas-de-avignon-y-picasso.com.html

La influencia de las máscaras africanas

Si marca o no, el inicio del Cubismo, realmente no interesa mucho. De lo que no cabe duda, es de la nueva estética que impregnará a todos los artistas contemporáneos y que, a su vez, marcarán las nuevas tendencias del siglo XX.

Hacia las Vanguardias

En la primavera de 1874 se abrió al público la primera exposición de los impresionistas en el salón de artistas independientes. Aquel año, ni los artistas, ni siquiera los críticos fueron conscientes de lo que aquello significaría para el devenir histórico del arte.

Imagen extraída de: https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Claude_Monet,_Impression,_soleil_levant.jpg

En ese momento, los pintores que fueron dejados de lado por la crítica oficial, renegaron de la tradición y comenzaron a abrirse paso con expresiones innovadoras que serían el germen de lo que hoy conocemos como las Vanguardias. 

La recuperación de las formas esenciales y el color como moldeador de la figura en la obra de Cézanne, el color vivo o los temas crudos y pesimistas de Van Gogh, o la fascinación por las figuras orientales y sus exóticos colores en Gauguin, pasaron a ser la guía para los artistas del siglo XX.

Imagen extraída de: https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIuJ5uqYhEbFxhSPNctR2qrpjapkc9M2ZmiviweQjij-UJF52sHqPpWsTGQ3ccDXm0AwekBWxGL8F8v5BrMdpXZi-43K-kHbbsPn_7LvVrPObM3sIXOLSNXXftNLZ90Vz99bH1rXWuJsyb/s1600/cubismo.jpg

...las formas esenciales...

Imagen extraída de: https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Vincent_Willem_van_Gogh_002.jpg

...los temas pesimistas...

Imagen extraída de: http://www.mecd.gob.es/cultura-mecd/dms/mecd/cultura-mecd/areas-cultura/principal/novedades/museos/2012/gauguin-y-el-viaje-a-lo-exotico-en-el-thyssen/Thyssen_Gauguin02G.jpg

...los colores orientales y exóticos...

A finales del siglo XIX ya era evidente la separación entre el gusto del público y las nuevas pautas que seguía la estética del momento. El estilo decorativo y elegante de Klimt dio paso a danzas de cuerpos entremezclados con cadáveres y esqueletos entre sus contemporáneos.

Imagen extraída de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Evening_on_Karl_Johan_Street.jpg

El concepto de lo siniestro en el arte

Si la fotografía y, más tarde, el cine nos habían mostrado la realidad de forma más verosímil que el arte, los artistas surrealistas debían explorar la enorme riqueza del inconsciente y darle rienda suelta a su inventiva.

Imagina por un momento que de repente las agujas de un reloj cesan su curso habitual y comienzan a retroceder hacia atrás en el tiempo, o que buscando tu reflejo en un espejo encuentras aquello que le ocultas. ¿No es cierto que se trata de una sensación siniestra, más propia del mundo de los sueños que de la realidad?

Imagen extraída de: https://www.flickr.com/photos/37775831@N02/3634976269

Pero quizás el ejemplo más claro sea el de 'las muñecas', un objeto que en nuestra infancia la dotábamos de una autonomía y que presuponer vida en nuestra madurez tornaría a una experiencia siniestra y diabólica.

La obra artística del alemán Hans Bellmer, está muy relacionada con el concepto freudiano de lo siniestro. Su obra, realizada durante la época nazi, la componen una serie de fotografías con las que el artista intenta dar la sensación de vida a unos maniquíes. Por una parte el artista acentúa los movimientos de forma exagerada, y por otra no le importa mostrar las articulaciones artificiales de la muñeca. 

Imagen extraída de: https://www.flickr.com/photos/37775831@N02/3634976269

Ahora bien, este intento, por un lado, de mostrarla viva y, por otro lado, de evidenciar su naturaleza inerte nos lleva a la sensación de lo siniestro. Si situamos estas muñecas en un ambiente familiar, como una escalera, o la intimidad de un salón de casa, se potencia aún más este sentimiento de extrañeza perturbando nuestra concepción de lo real.

Imagen extraída de https://www.flickr.com/photos/37775831@N02/3634976269

Su obra, como la de quienes exploraron entre los nuevos conceptos modernos del arte, fue rechazada por el III Reich denominando degenerado al artista y a su obra.