Expresionismo alemán

El expresionismo no busca mostrar el mundo tal como es, sino expresarlo. Se inscribe siguiendo los pasos de Van Gogh que ya había abierto en su tiempo las puertas de una forma de pintura marcada por la expresión. Este aspecto es principalmente utilizado a través del tema del cuerpo o del retrato, en el que los artistas no dudan en ir hasta la distorsión de las formas.

Imagen extraída de: https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Ernst_Ludwig_Kirchner_-_Fr%C3%A4nzi_in_front_of_a_Carved_Chair.jpg

Los comienzos del siglo XX atraviesan un período de una profunda crisis, un clima social que desembocará en la Primera Guerra mundial. Los expresionistas sintieron venir la guerra expresando sus sentimientos visionarios en imágenes particularmente tortuosas. Es en este contexto que se forma el grupo Die Brücke en Dresde en 1905 entorno a personalidades como Fritz Bleyl, Karl Schmidt-Rottluf, Erich Heckel y Ernst Ludwig Kirchner. Más tarde, llegarán y se añadirán artistas como Emil Nolde, George Grosz, Otto Mueller, Max Pechstein y Otto Dix. Además, cuando se observa los retratos fotográficos de estos últimos, se puede ver que la expresión que emana de sus rostros está lejos de la alegría de vivir. Su expresión es grave, severa y austera parece expresar la atmósfera que reinaba en la época.

Imagen extraída de: https://en.wikipedia.org/wiki/Madonna_(Munch_painting)#/media/File:Edvard_Munch_-_Madonna_-_Google_Art_Project.jpg

En este mundo hostil, que presagia multitud de inquietudes, los expresionistas alemanes buscaban una pintura capaz de expresar los problemas del hombre.
Su pintura es como un grito de desesperación emitida en reacción a esa sociedad que no ofrece más que angustia y miedo al futuro. La forma expresionista es nerviosa, tosca y la deformación es utilizada con la intención de anteponer el sentimiento interior sobre la realidad figurativa.
La influencia de su estilo viene de precursores como James Ensor, Vincent Van Gogh o incluso Edvard Munch.

Imagen extraída de: http://www.egon-schiele.com/death-and-the-maiden.jsp

Brainstorming

Seguro que has oído hablar de la célebre técnica BRAINSTORMING. Un recurso para incrementar la creatividad de los alumnos. Una tormenta de ideas con un eje central que vertebra y sirva de núcleo para desarrollar un TEMA, un PROBLEMA o una INCÓGNITA.

A continuación, propongo una actividad que sin duda interesará a quienes no conozcan en profundidad los movimientos artísticos de la primera mitad del siglo XX.

La mejor forma de conocer un tema es cuestionando todo aquello que nos venga a la memoria. Por ejemplo, si quiero saber qué es el Dadaísmo, debo comenzar por conocer ideas concretas, preguntándole qué es lo que significa su nombre, cuándo y dónde surgió, cómo es este movimiento, por qué se expresó de tal manera.

Veamos algunos datos esenciales del Dadaísmo, que ayudarán a conocerlo más profundamente.

¿QUÉ es el Dadaísmo, qué significa su nombre y qué representa?

El Dadaísmo es un movimiento artístico y literario.

Su nombre no significa nada. El azar puso nombre a este movimiento.

No representa nada, más bien, rompe con el arte que tiende a representar el mundo y a darle sentido, porque para el movimento Dadá, todo es un absurdo.

¿DÓNDE surge este movimento?

Surge en Zúrich, y más concretamente, en el Café Cabaret Voltaire.

¿CÚANDO surge?

En el año 1916, durante la I Guerra mundial.

¿CÓMO es este arte?

Es un estilo que combatió ferozmente las convenciones de la época, de la que se burlan y desmitifican. Es absurdo e irracional. (La poesía era una acumulación de palabras escogidas al azar o, Duchamp elevaba a categoría de arte un urinario, un portabotellas o una rueda de bicicleta).

¿POR QUÉ surge este movimiento?

Porque el mundo no tiene sentido, porque todo lo que el artista dadaísta intentaba era mostrar ese sinsentido que desembocó en la Gran Guerra. Porque todo comenzaba a cambiar de forma rápida. Porque si grandes manchas de color, figuras deformadas o materiales nuevos se abrían camino en el arte, los objetos cotidianos del ready-made también podían serlo.

Y finalmente, escribimos todas las palabras clave sobre una imagen del movimiento artístico.

Ejemplos de BRAINSTORMING con los movimientos de Vanguardias

Dadaísmo

Expresionismo alemán

Fauvismo

Surrealismo

Cubismo

Futurismo

Constructivismo ruso

El fauvismo y la exaltación del color

La Fundación Mapfre expone en Madrid 150 obras del movimiento fauvista encabezado por Matisse.

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El término fauvismo viene del francés ‘fauve’ (fiera) y expresa el aspecto natural, espontáneo y casi salvaje del empleo del color. Aunque también puede evocar un cierto primitivismo en el arte. El Fauvismo es la puerta de entrada de la abstracción pictórica. Entre los pintores más destacados Henri Matisse es sin duda la personalidad más conocida. Destacan también Derain o Carmoin.

La pintura fauvista se centra particularmente en el trabajo del color. Las obras son fácilmente reconocibles por el empleo de largas superficies de colores vivos, mientras que las imágenes figurativas tienden a una cierta abstracción.

El Fauvismo aparece en Francia en el mismo periodo que lo hace el Expresionismo en Alemania. Pero si el Expresionismo alemán se caracteriza por una atmosfera tormentuosa, a veces violenta, la forma de expresividad del fauvismo es totalmente diferente. La dinámica de este grupo es mucho más positiva y plena de vitalidad.

Recordemos que los cubistas se sitúan cercanos a la obra de Cézanne, pues bien, ahora será Gauguin quién mejor explique el fauvismo como la exaltación del color. En el transcurso de su viaje a Tahití, descubre el esplendor de los colores del país. Se dedica a buscar y experimentar con la intensidad de los tonos y la luz mágica que observa, de ahí que lo lleve a una simplificación del dibujo. Hacia sus últimos días, Gauguin lleva el color a independizarse del dibujo y expresar con ello una intensidad y una virulencia jamás antes observada. En efecto, para él era un medio de mostrar una nueva mirada sobre la pintura, alejada de los códigos del academicismo del mundo occidental de su época.

Gauguin experimenta con los colores exóticos que descubre en Tahití.

Los pintores fauvistas se sumergen por esta puerta abierta y van más lejos en su viaje. El dibujo tiende a desaparecer y a dejar lugar a manchas de color, superficies de largos trazos de color puro. Ahora la forma de dibuja sobre el superficie extendida de color. Es una expresión sensual y espontánea.

El protocubismo de Picasso

El cubismo es un movimiento artístico del siglo XX de vital importancia en la historia del Arte pero al mismo tiempo, de muy corta duración. Fue desarrollado por Pablo Picasso y Georges Braque introduciendo la fragmentación en sus obras.

Pablo Picasso es quizás la figura clave y más conocida del movimiento cubista. Pero veamos la figura de Picasso anterior al movimiento.

Las primeras obras del genial pintor malagueño fueron divididas en diferentes períodos: el período azul, seguido del período rosa, una tercera etapa de fuerte inspiración africana y, posteriormente, y en la segunda década del siglo XX, el Cubismo.

La pintura Les demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso es considerada por los historiadores del arte como la primera obra cubista, pese a ser realizada antes mismo del inicio del Cubismo. En fin, existen intensos debates sobre el inicio del movimiento, de si está íntimamente ligado a esta obra o simplemente es un precedente más.

Imagen extraída de: https://www.flickr.com/photos/wallyg/563354141
Pintura al óleo realizada en 1907

Si decimos que es un retrato, Pablo no parece innovar demasiado. Pero, sin embargo, ya se reflejan muchas de las corrientes que se irán desarrollando durante todo el siglo. 

Cinco mujeres completamente desnudas posan fijando en el espectador sus grandes ojos negros y blancos. Nos podemos imaginar cómo la obra chocaría fuertemente frente el gusto de los espectadores del arte de la época, pero es más bien la técnica la que provoca el escándalo. No solamente el cuadro no presenta narración alguna, sino que olvida de forma deliberada la perspectiva, el gran logro de los artista del Renacimiento.

Más que conformarse ante las reglas del naturalismo y el realismo, el joven Picasso presenta lo que será su futuro estilo: muchas perspectivas confluyendo de forma anárquica, desde distintos puntos de vista, y con respecto a las reglas tradicionales de la representación, y de ahí que las caras de las jóvenes sean pintadas de frente y las narices de perfil. 

Imagen extraída de: https://www.flickr.com/photos/wallyg/563354141

...olvida de forma deliverada la perspectiva...

En su obra podemos ver cómo Picasso pasó muchos de sus años estudiando intensamente el arte africano, así como la obra de Paul Cézanne. Recordemos el imperialismo francés en el continente africano y de ahí las innumerables máscaras y objetos africanos que se exponían en museos de París. Picasso utilizó estas obras como fuentes de inspiración. La influencia de Cézanne se expresa en esa necesidad de sintetizar el mundo en formas geométricas puras.

Imagen extraída de: http://todoscontraelarte.blogspot.com.es/2013/07/las-senoritas-de-avignon-y-picasso.com.html

La influencia de las máscaras africanas

Si marca o no, el inicio del Cubismo, realmente no interesa mucho. De lo que no cabe duda, es de la nueva estética que impregnará a todos los artistas contemporáneos y que, a su vez, marcarán las nuevas tendencias del siglo XX.

Hacia las Vanguardias

En la primavera de 1874 se abrió al público la primera exposición de los impresionistas en el salón de artistas independientes. Aquel año, ni los artistas, ni siquiera los críticos fueron conscientes de lo que aquello significaría para el devenir histórico del arte.

Imagen extraída de: https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Claude_Monet,_Impression,_soleil_levant.jpg

En ese momento, los pintores que fueron dejados de lado por la crítica oficial, renegaron de la tradición y comenzaron a abrirse paso con expresiones innovadoras que serían el germen de lo que hoy conocemos como las Vanguardias. 

La recuperación de las formas esenciales y el color como moldeador de la figura en la obra de Cézanne, el color vivo o los temas crudos y pesimistas de Van Gogh, o la fascinación por las figuras orientales y sus exóticos colores en Gauguin, pasaron a ser la guía para los artistas del siglo XX.

Imagen extraída de: https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIuJ5uqYhEbFxhSPNctR2qrpjapkc9M2ZmiviweQjij-UJF52sHqPpWsTGQ3ccDXm0AwekBWxGL8F8v5BrMdpXZi-43K-kHbbsPn_7LvVrPObM3sIXOLSNXXftNLZ90Vz99bH1rXWuJsyb/s1600/cubismo.jpg

...las formas esenciales...

Imagen extraída de: https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Vincent_Willem_van_Gogh_002.jpg

...los temas pesimistas...

Imagen extraída de: http://www.mecd.gob.es/cultura-mecd/dms/mecd/cultura-mecd/areas-cultura/principal/novedades/museos/2012/gauguin-y-el-viaje-a-lo-exotico-en-el-thyssen/Thyssen_Gauguin02G.jpg

...los colores orientales y exóticos...

A finales del siglo XIX ya era evidente la separación entre el gusto del público y las nuevas pautas que seguía la estética del momento. El estilo decorativo y elegante de Klimt dio paso a danzas de cuerpos entremezclados con cadáveres y esqueletos entre sus contemporáneos.

Imagen extraída de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Evening_on_Karl_Johan_Street.jpg